01

首先风格需要符合自己的。一个作品适不适合自己，其实在你第一次看这个剧目的时候就会有感觉。一个适合自己的剧目，看几遍就会隐约记住几个动作的套路，并且会觉得完成起来很顺，很舒服。相反，一个不适合自己的剧目，看再多遍也没有什么感觉，这样就会导致即便开始学习了之后也会发现学的进展很慢，完成起来不顺，更别提表演和作品的内在精神了……

所以，选择剧目的前提一定是要多看。看的多了总会遇到觉得适合自己的。很多孩子告诉我不知道学什么，其实就是没看够。看了四五个作品就觉得都不适合自己，哪有那么多作品适合自己呢？比赛的作品都是导演针对演员一对一量身定做的，每个演员的风格和类型又不可能是完全相同的，所以只能说尽可能的去找一个自己完成起来相对舒服的作品。

2

很多学生会尝试把视频对着镜子，然后去学镜子里的动作，这样就是动作原本应该有的方向，这个是没问题的。可是当原版的后背对着你的时候直接学习就可以了，这时候再去学镜子里的动作不就反而学反了么？

首先要清楚动作的运动路线，把动作分解之后清晰的了解动作的运动轨迹。不然会导致很多动作学到的只是皮毛。

在清楚了动作的套路之后，仔细斟酌动作的点、线、面。一个作品不去注意其中的抑扬顿挫，结果呈现出来的反而会失去作品本身的价值，连技巧组合都算不上。至少技巧组合中还有大量的技巧支撑组合的观赏性，但一个平淡的剧目，就变成了一个没有任何节律、技巧的组合……因此，古典舞一定要注意身韵身法的运用；民间舞一定要注意该民族的风格属性。抑扬顿挫、风格韵律甚至比动作套路要重要的多！

很多学生因为着急去合音乐而忽略了动作应有的质量。音乐只是一个背景，主体还是舞蹈，不要让音乐牵着动作走，这样不但慌张，反而得不偿失。把动作的情感融入到音乐中才是最终要做到的。就是现在我们经常听到的“毫无违和感”。音乐的加入会使动作升华到另外一个境界，而不是起主导作用。动作滚瓜烂熟了以后，再去与音乐相结合。从最初的合音乐，卡节奏，上升到与音乐的情感融为一体。

3

以前有老师告诉过我，如果你要去学一个作品，跳的还没有原版好，就不要跳了。那时候我不明白，甚至在心里反问“我怎么可能跳的比他好，他是原版！”现在我有了自己的理解。我的动作也许没他流畅、干净，我的情绪可能没他到位。但那都是原版对那个作品的理解，我去学他的剧目，学的只是套路，我要有我自己的理解。每个人的身体都是独一无二的，他有他的表现方式，我有我的自身理解！我相信，一定会有人去认可你。即使，你不是原版！